¿Por qué Hollywood aún no produce buenas adaptaciones de anime?
El escritor Rolan Kelts, redactor de The Guardian y autor del libro Japanamerica: Cómo la cultura japonesa invadió Estados Unidos, publicó un artículo donde entrevista a Jeff Gómez un escritor y productor de historias de ciencias ficción y fantasía. En este texto hablan de las razones por las que Hollywood no ha podido imitar el éxito de algunas famosas historias japonesas. Un increíble análisis que resume las propiedades más increíbles de la animación producida en Japón.
En Manga México reproducimos el análisis íntegramente para ti en español para que puedas disfrutarlo (y aportar tu opinión en los comentarios):
Al menos tres películas de Hollywood con gran presupuestos basadas en originales japoneses se estrenaron este año: Alita: Battle Angel, Detective Pikachu y Godzilla: King of the Monsters. Mientras que las tres todavía se promocionaban, Gundam y Akira recibieron luz verde para su producción por parte de Legendary Entertrainment y Warner Bros., respectivamente. En noviembre saldrá una adaptación del videojuego Sonic de Sega, seguido de Monster Hunter de Capcom el próximo año y Super Mario de Nintendo en 2022.
El largometraje de anime más taquillero de la historia, Your Name de Makoto Shinkai en 2016, se está rehaciendo como una película de acción en vivo, producida por el productor que reinicio Star Wars, J.J. Abrams. Según los informes, también están en camino las adaptaciones de Hollywood de Attack on Titan y de la icónica mascota Hello Kitty.
Pero hasta ahora, las versiones de Hollywood de contenido japonés han recibido críticas mixtas en el mejor de los casos, con algunos triunfadores respetables pero no notables en las taquillas. La mayoría de los fanáticos vuelven a las historias originales y se preguntan: ¿por qué no pueden hacerlo bien?
Para Jeff Gómez, CEO fundador de Starlight Runner Entertainment, una productora con sede en Nueva York que está produciendo Ultraman de Tsuburaya Production a los estudios occidentales, los problemas fundamentales son culturales. Gómez ha sido fanático de las historias japonesas durante la mayor parte de sus 56 años, desde una infancia problemática en el Lower East Side de Manhattan y en Puerto Rico, hasta una adolescencia solitaria en Hawai. Su era, dice, fue una marcada por la intimidación y el aislamiento.
Criado por un padre afrolatino y una madre judía estadounidense de raza blanca, Gómez no está bromeando cuando dice que animes de los 60 como Marine Boy, Kimba the White Lion y Gigantor salvaron su vida.
"Los shows japoneses no te hablaban mal" dice. "Eran serios en su tono y me trataron seriamente e intelectualmente. Yo era un ávido lector, así que leí todos los créditos del show". Cuando era niño, conocía los nombres de Osamu Tezuka y Go Nagai. Fueron llamados "creadores célebres" en las redacciones. Eso fue muy diferente del modelo de los Estados Unidos, donde la mayoría de los escritores solo eran contratados.
Incluso hoy, la autoridad que Japón confiere a los escritores y artistas a menudo hace tropezar a los licenciadores estadounidenses, que piensan que hablar y cenar con jefes de estudio y directores generales es todo lo que se requiere para sellar un acuerdo. Es lo que el productor de Pokémon, Masakazu Kubo de Shogakukan, me dijo una vez, que era el "modelo Walmart" de Estados Unidos, donde "los minoristas compran barato, venden barato en cantidades masivas y se llevan todo el dinero". No les importa quién hizo el producto.
La ruptura de Gómez como productor creativo ocurrió a finales de los 90 con Turok: Dinosaur Hunter, un juego para la consola Nintendo 64, ayudó a crear y transformar en una franquicia multiplataforma que abarcó cómics, juguetes y novelas gráficas. El fabricante estadounidense de juguetes Mattel lo notó y lo contrató para realizar una magia similar con su marca de automóviles "Hot Wheels".
Desde la fundación de Starlight Runner en 2000, el currículum de Gomez incluye una lista A de franquicias y marcas de entretenimiento global. Ha trabajado en Avatar, Piratas del Caribe, Teenage Mutant Ninja Turtles y Transformers, y para las marcas multinacionales de consumo Coca-Cola, Sony y Pepperidge Farm. En 2012, el semanario comercial de la industria del cine, Variety, lo bautizó oficialmente como el "Power Player" de Hollywood.
Nada de eso habría sucedido, dice, sin su amor por la cultura pop japonesa y lo que le enseñó sobre el compromiso creativo y emocional.
Historias japonesas como Galaxy Express 999 de Leiji Matsumoto y Pirata Espacial Capitán Harlock, y su programa favorito, Kikaider, evolucionan en cosmologías complejas de personajes y universos que contienen otros mundos, algunos de los cuales son simplemente insinuados o sugeridos. Gómez llama a estos mundos referidos "montañas distantes", un término levantado de las múltiples regiones e idiomas que J.R.R. Tolkien inventó para la mitológica de la Tierra Media en El Señor de los Anillos.
Puede que nunca visitemos Nebula M78 de Ultraman, señala Gomez, el hogar ficticio del espacio exterior de la mayoría de los personajes alienígenas de Ultraman, pero creemos en él porque sus creadores lo hacen. En comparación con las historias estadounidenses de Marvel Comics y DC Comics, que a menudo son más centralizadas y cohesionadas, las narraciones japonesas no siempre tienen sentido, admite. Pero son más expansivos y más consistentemente creativos.
"El modelo de la historia japonesa no necesitaba seguir recordándome la premisa de la serie o resumir constantemente lo que sucedió de antemano", dice, "y no se repitió ni se reinició en términos de un formato". Spider-Man y Superman lo hicieron muchas veces. Las historias japonesas eran seriales por naturaleza y me dejaron hambriento por aprender más. Todo esto era muy diferente de los dibujos animados estadounidenses estándar y películas de monstruos en ese momento ".
No es de extrañar que los servicios streaming como Netflix y Crunchyroll ahora encuentren una rica fuente en la creación de anime, en parte gracias a su libertad de formato: la serie puede adaptarse al estilo japonés de narración de historias mejor que el régimen cinematográfico de Hollywood de 90 minutos.
Pero Gómez cree que la lectura cultural más dañina de Hollywood es emocional. Las estilizaciones visuales y los efectos de los clásicos del anime como Ghost in the Shell se han recreado fiel y vívidamente en Hollywood durante años, lo más evidente en The Matrix de 1999, que fue un homenaje abierto a las técnicas de ciencia ficción del anime. El aspecto distintivo, la sensación y el ritmo del anime pueden ser un hueso estético que se ha secado.
Sin embargo, emocionalmente, las historias japonesas siguen siendo densas con los códigos que Hollywood aún tiene que descifrar.
En Kikaider, dice Gómez, "hay un nivel de gravedad y seriedad absoluta sobre la vida y la muerte". Esa seriedad fue fascinante para un niño perdido y solitario a la deriva en Nueva York, Puerto Rico y Hawai. "La resonancia emocional en la relación entre la historia y la audiencia, o lo que llamamos" participantes ", es sincera y detallada. Te convence de la veracidad de estos personajes de ficción.
El héroe de Kikaider, un androide dañado (como el Astro Boy de Tezuka) llamado Jiro, tiene un circuito de conciencia defectuoso en su cerebro robot, lo que le impide discernir el bien del mal. Para Gómez, es el tipo de detalle meticuloso que invoca una empatía y compasión más profundas, que trascienden los límites de los guiones y los efectos especiales.
"Japón anhela mejor que nadie en el mundo", dice. "Puedes verlo en Dragon Ball Z. En Estados Unidos, todavía se trata de ser genial; Miradas furtivas. En Japón, es operístico".
Para Gómez, también es pragmático, y le da la habilidad de desarrollar una carrera, ya que el resto del mundo trata de comprender por qué las historias japonesas tienen un sentido más amplio y profundo.
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Pero Detective Pikachu fue excelente y estuvo muy bien hecha.... no fue un mega éxito si pero es lo mejor que ha hecho Hollywood sobre adaptaciones de anime al live action.
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